Ампир стиль в архитектуре. Ампир - архитектурные стили - дизайн и архитектура растут здесь - артишок

Изменение характера и направлений развития искусства классицизма, в первую очередь, в его французском варианте, произошло после буржуазной революции, после провозглашения древнегреческого и древнеримского искусства её идеалом. Но теперь эстетические идеалы античности эпохи просвещения должны были прославлять вновь народившуюся империю и лично первого императора Франции Наполеона I и его воинские доблести. Это новое направление стиля классицизма начало развиваться в эпоху Директории (1795-1799 гг.), а затем при Консульстве (1799- 1804 гг.), и достигло расцвета в период между 1804 (год коронации Наполеона I) и 1813 гг., получив название ампир (от фр. empire - империя и лат. imperium - власть). Стиль ампир держался во Франции до 1815 г. вплоть до реставрации Бурбонов, но его влияние на формирование, в первую очередь, дворцовых парадных интерьеров сохранится еще почти двадцать лет.

Стиль ампир , который сложился в архитектуре, декоративно-прикладном искусстве, мебели, одежде, живописи, скульптуре и т.д. во всех странах Западной Европы и России, стал завершающей стадией эволюции классицизма. Основными источниками творческого вдохновения для ампира являлось искусство Древней Греции периода архаики и Древнего Рима периода поздней империи, а также искусство и культура Древнего Египта, Этрурии и других древних цивилизаций. Ампир активно использовал пластические идеи древнеегипетской архитектуры, делая большие нерасчленённые поверхности стен, массивные колонны и пилоны, обеспечивая четкость и геометрическую правильность построения цельных объемов и т.п. От Древней Греции и Рима в ампир перешли лаконизм, монументальность, строгая уравновешенность частей, симметрия сооружаемых объектов. Большое распространение получили портики классических ордеров, которые решались на контрасте с гладью малорасчленённых стен и геометрических объёмов. Идеи утверждения имперского величия и воинской славы реализовались в ампире через искусство многочисленных символов и знаков. Например, в декоративном убранстве экстерьеров и интерьеров зданий, мебели, светильников, посуды и т.д. использовалась в большом количестве военная эмблематика и символы воинской славы, заимствованные из арсенала декоративных средств Древнего Рима в виде лавровых венков, трофеев, дикторских связок, орлов, факелов, повторяющейся буквы N и т.д. Использовались также многие мотивы древнеегипетских орнаментов и символов в виде характерных рельефов, сфинксов, мумий, львов и др. Такой экзотический декор лишь усиливал театральность обстановки всего интерьера. Ампир в пору своего расцвета характеризуется прямым заимствованием некоторых архитектурных типов и форм предметного мира древности. Например, сооружаются и соответствующим образом декорируются триумфальные арки, мемориальные обелиски и императорские колонны. Интерьеры дворцов и частных домов украшаются рельефами по типу древнеегипетских и античных образцов. Стенные росписи выполняются по помпеянским мотивам, посуда, декоративные вазы, светильники делаются весьма похожими на древнегреческие и этрусские и т.д.

С приходом стиля ампир искусство становится болеё масштабным, монументальным. Вместо изысканной тонкости стиля Людовика XVI приходят излишняя рассудочность, помпезность и даже пафос. В стремлении победившей буржуазии, отринувшей королевские стили, во всем подражать быту и нравам древних римлян было, конечно, много театрального, показного. Во многих европейских странах аристократия и крупная буржуазия, для которых французский классицизм эпохи Людовика XVI был еще совсем недавно образцом для подражания, стали откровенно следовать новому стилю. После революции в Париж вновь приехали из разных стран многочисленные архитекторы и художники, которые стали работать в этой новой для себя стилистике. Ампир, в отличие от предыдущих стилей, имел весьма космополитический характер и исключал, в силу своей регламентированности, возможность создания местных национальных школ, что, впрочем, не помешало России некоторое время спустя создать свою разновидность ампира.

Следует отметить, что формальный язык классицизма с одинаковым успехом служил королевствам, буржуазии и империям. На своем первом этапе классицизм был королевским стилем, затем его болеё строгие и лаконичные формы служили идеям буржуазной революции. На последнем этапе те же классицистические формы, но уже значительно переработанные в сторону большей парадности, внешней эффектности и величия, используются для прославления императора и его империи.

По сравнению с формами архитектуры, которые во времена ампира ориентируются, в основном, на образцы древнеримских построек и потому не имеют существенных изменений, интерьер, в котором достигается беспримерное стилевое единство всех элементов, его составляющих, теперь решается по-новому. Этот ампирный синтез возникает, в первую очередь, из строгого следования античным, главным образом, древнеримским образцам в оформлении стен, пола и потолка, мебели, рисунков обоев, обивочных тканей и драпировок, тканей занавесей, покрывал, скатертей, других изделий декоративно-прикладного искусства. Изысканные и легкие интерьеры предыдущей эпохи делаются теперь торжественно-монументальными, в них царят полный покой, упорядоченность и уравновешенность элементов, строгая симметрия. Ампир, подобно другим королевским стилям, служит, прежде всего, целям репрезентации - в этом его своеобразная театральность, характерная для дворцовых интерьеров со времен Людовика XIV.

Стены помещений, как и прежде, членятся на отдельные орнаментально обработанные панно прямоугольных форм, которые декорируются, к тому же, живописными картинами, часто нанесенными прямо на стену или стеновые панели. Стены декорируются также пилястрами и полуколоннами. Карниз, обычно подчеркнутый фризом, украшенным гирляндами и фигурами лебедей и сфинксов, четко отделяет окрашенный в белый цвет и декорированный по углам потолок от стен. Весьма часто потолки, в подражание древнеримским, делаются кессонированными. Стены оклеиваются обоями или затягиваются тканями, причём ткани драпируются, подражая формам античных одежд. Обои имеют строгий рисунок, но также делаются с изображениями пейзажей или различных сюжетов на темы египетских походов Наполеона. Иногда потолки расписываются по белому фону, а вся живописная композиция обрамляется широким бордюром. Полы также делаются весьма нарядными из наборного паркета разных пород дерева, рисунок которых соответствует античной орнаментике. В богатых домах и дворцах некоторые помещения имели полы, набранные в подражание античной мозаике. Дверные панели декорируются лепниной с изображениями женских фигурок или ваз с букетами цветов.

В эту эпоху стало модным украшать будуары, парадные залы, столовые и специальные помещения для коллекций скульптуры мраморными бюстами владельцев домов и т.н. антиками (вазами, скульптурой, посудой и т.д.). Весьма модными были в это время изделия из неглазурованного фарфора (бисквиты), керамика Севрских мануфактур под яшму или под мрамор и каменной массы фирмы Веджвуда в виде различных плакеток с белыми рельефами на античные темы на синем или оливковом фоне, которые развешивались строго симметрично на стенах или которыми декорировались мебельные объекты. Основным металлом, который применялся для декорирования или изготовления некоторых элементов интерьера, была бронза. Например, из бронзы, трактованной по цвету и фактуре согласно античным образцам, делались различные светильники: люстры, канделябры, торшеры. Ампирные канделябры во всем схожи с помпеянскими, имеют подставки в виде звериных лап или сфинксов. Торшеры делаются в виде скульптурных изваяний с кариатидами, фигурами крылатых Побед или трех Граций и т.п.

В ампирном интерьере весьма значительную роль играют зеркала. Зеркала помещают на шкафах, зеркалами отделываются потолки ванных комнат. Популярными становятся отдельно стоящие напольные зеркала - псише, украшенные бронзой, а также небольшие псише, устанавливаемые на туалетных столах. Появившаяся в это время форма камина имитирует античные древнеримские мраморные надгробья. Ширмы, каминные экраны обтягиваются гобеленовыми другими дорогами тканями, украшенными вышивкой. Подобные экраны значительно меньших размеров ставились также перед подсвечниками. Рукомойники приобретают форму жертвенного алтаря (алтаря чистоты) или форму лиры, курительницы делаются в форме урны. Входят в моду изделия из стекла или фарфора синего цвета, расписанные красками, в т.ч. золотыми, и украшенные позолоченными или посеребренными накладками.

Из-за обилия изображений животных и птиц, в первую очередь, хищных и фрагментов их тел, а также иных фантастических существ в виде грифонов и сфинксов, ампир считается звериным стилем.

Например, ножки мебельных объектов, опоры светильников и др. часто трактовались в виде когтистой лапы льва, переходящей в мифологическое фантастическое существо с головой и грудью женщины, телом льва и орлиными крыльями. Частыми изображениями были лебеди с сильно изогнутыми шеями, бараньи головы (букрании) и т.д.

У ампира было особое отношение к внешней форме и, прежде всего, к признанию самоценности поверхности как таковой, будь то стена или потолок помещения, дверка шкафа, спинка стула или кресла. Всегда эти поверхности подчеркиваются контрастно нанесенным орнаментом (часто рельефным), мотивы которого заимствовались из египетского, греческого, этрусского, римского искусства. Поэтому такая большая роль в ампире отводилась скульптуре в виде, например, резных лап на окончаниях ножек стульев и кресел, опор локотников в виде лир, опорных частей столов в виде герм и упоминавшихся выше грифонов и т.п. Такие скульптурные изображения зачастую выступали как конструктивные элементы того или иного материального объекта.

Французская мебель ампира

Основоположником стиля ампир считают живописца Луи Давида, а выразителями этого стиля - архитекторов Шарля Персье (1764-1838 гг.) и Пьера Фонтена (1762-1853 гг.).

Ампир в своем наиболеё рафинированном виде проявился в интерьерах загородных резиденций, которые вначале возводились для Первого консула, а затем императора Франции Наполеона. Отделка и меблировка всех помещений велась по проектам Фонтена и Персье. Широкому распространению нового стиля способствовало издание ими в 1801 г. альбома с проектами мебели и интерьеров, который был переиздан в 1812 г. Эти архитекторы создали интерьеры и мебель для дворца мадам Рекамье, а Наполеон поручил им отделку своего загородного дворца в Мальмезоне. Позднее, став придворными архитекторами императора, Персье и Фонтен возглавили работы по переделке помещений других королевских дворцов в Тюильри, Сен-Клу Фонтенбло, Лувре и др.

Мебель по проектам этих архитекторов выполняли знаменитые мебельщики Жорж Жакоб и его сын Жакоб-Демальтер (1770-1841 гг.).

Кресло, 1870 г., Франция

Кресло, Ч. Перкир и П. Фонтэн

Кресло. Дерево, резьба, золочение. Мастерская Жакоба

Кресло, сделанное для Маршала Нея (1769-1815 гг.) из армии Наполеона. Жакоб-Демальтер, 1800-ые, Париж

Кресло с лебедями. Ампир

Кресло, Жакоб-Демальтер, 1805 г., Париж (Музей Виктории и Альберта, Лондон)

В отличие от стиля предыдущей эпохи - стиля Людовика XVI - для мебели ампира характерно прямое заимствование античных форм. Мебель подчинена архитектуре, она монументальна и имеет четкие конструктивные членения. Важнейшими элементами украшения ампирной мебели являются архитектурные шаблоны: колонны, капители, фризы, карнизы. Архитектурность построения мебельных объектов, в т.ч. мебели для сидения, полностью исключает проседающие, мягкие обивки, поэтому она всегда кажется жесткой. Театральность ампира - как искусства дворцового, парадного - обуславливает специфику организации пространства помещения, где элементы интерьера располагаются как бы по периметру, превращая его в своеобразную театральную площадку. Поэтому у ампирной мебели преобладают горизонтальные формы. Декоративные украшения на мебельном объекте располагаются обычно по периметру его свободных поверхностей, подчеркивая тем самым красоту фактуры и текстуры тщательно отполированного дерева. В интерьерах мебель часто ставится целыми гарнитурами, выполненными из одной породы дерева, причём их цветовая гамма обязательно сгармонирована с цветом других элементов интерьера. Продолжает делаться мебель, окрашенная в белый цвет, декоративная резьба которой золотится или тонируется под старинную античную (патинированную, зеленую) бронзу.

В это время весьма модными становятся т.н. диванные комнаты, в которых устанавливаются диваны, а на ковре перед ними - т.н. преддиванные столики на одной центральной широкой опоре и несколько кресел в форме корытца, расставленные вокруг столика. Как правило, яркая обивка дивана и кресел гармонировала с декором стен. Рисунок обивочных тканей обычно был вышит шерстью или выткан золотыми нитями. В моде была обивка алым сукном с черными бордюрами, шелком с золотыми звездами или розетками на сетчатом узоре, ценились насыщенные цвета: синий, желтый, пурпурный, малиновый и также такие модные цветовые сочетания как белый цвет с золотом или синий с золотом. В начальный период ампира большую популярность имели большие диваны, стоящие на тумбах, подобных пилонам, опирающиеся на львиные лапы и имеющие глухие локотники (боковины). Поверхности спинок и локотников диванов фанеровались красным деревом, а резные украшения выполнялись в форме музыкальных инструментов, лебедей, военных трофеев, орлов, львов и др. Для форм локотников (боковин) диванов часто использовался мотив рога изобилия. Подобные скульптурные украшения иногда делались из бронзы. Опоры и подстолье преддиванных столиков также украшались резьбой или золоченой бронзой.

Приставной стол с каминными часами "Амур и Психея", 1799 г., Франция

Стол-геридон с мраморной столешницей. 1803 г., Париж, Франция

Афинская пара (раковины). Поздний ампир по проекту Шарля Персье (1764-1838 гг.) и Пьера Фонтена (1762-1853 гг.)

Туалетный стол с зеркалом «псише». Мастерская М. Бьенне. Дерево, резьба, золочение, бронзовые накладки. Ок. 1817 г. Париж, Франция

Табурет. 1805 г., музей Виктории и Альберта, Лондон

Умывальник, Ш. Персье и М. Бьенне, 1804-1814 гг.

Кровать. Жакоб-Демальтер, XIX в.

Кровать императрицы Жозефины

Спальня императора, дворец Фонтенбло, Франция

Тронный зал, дворец Фонтенбло, Франция

Трон был предназначен для Наполеона I, 1805 г. Жакоб-Демальтер

Церемониальная спальня Полины Бонапарт. 1804 г. Британское посольство, Париж

Получают распространение кушетки своеобразной формы с двумя, как правило, развернутыми наружу торцовыми спинками, выполненными в форме буквы S. Кресла делаются весьма похожими на древнеримские. Их локотники поддерживаются резными фигурами лебедей, грифонов, львов и пр. или же колоннами с каннелюрами и капителями, завитками и т.п. Иногда передние ножки представляют собой гермы, которые доходят до локотников и служат им опорой. Популярны кресла-гондолы (корытца), имеющие полукруглую в плане спинку, переходящую в локотники, которые часто украшаются резными фигурами лебедей. Стулья делаются проще, чем кресла. Их спинки имеют простую, слегка изогнутую и откинутую назад прямоугольную форму или делаются в форме лиры.

Иногда формы античной мебели для сидения заимствуются почти без изменений. Например, известный греческий стул-клисмос неоднократно воспроизводился в это время без каких-либо искажений его первоначальной формы и конструктивной схемы. Большой популярностью пользуются табуреты или банкетки на скрещивающихся, украшенных бронзой ножках, форма которых пришла из Древнего Египта. Копируются трехногие античные табуреты, найденные при раскопках Геркуланума и Помпей. Опорные части кресел и стульев, а также диванов и столов, делаются в виде уже упомянутых выше герм, сфинксов, кариатид, атлантов, грифонов, тритонов, львиных лап и колонн. Все эти фигуры фантастических чудовищ, крылатых женщин, кариатид, герм и атлантов стоят в неподвижных позах, движения их скованы, лица так же неподвижны, как и складки их одежд. Формы мебельных емкостей: шкафов, комодов, секретеров, бюро и др. массивны, прямоугольны, замкнуты. Комоды делаются иногда без ножек и стоят прямо на цоколе, имеют мраморную верхнюю доску. Установленные под большими настенными зеркалами-трюмо эти шкафы выполняют роль столов-консолей. Иногда вся фасадная грань комодов делалась из одной целой доски, распиленной по линии ящиков, благодаря чему сохранялся общий рисунок струй древесины. Гладкие плоскости мало расчлененных поверхностей шкафов подчеркиваются бронзовыми или резными накладками в виде гирлянд, венков, пальметок, розеток, полосок из золоченой бронзы с резным орнаментом, а также орлов, львиных и бараньих голов, крылатой Ники, фаянсовых, фарфоровых или керамических веджвудских плакеток, которые вставляются в деревянную основу мебельных объектов. Такие шкафы, украшенные колоннами или пилястрами с бронзовыми золочеными базами и капителями, фронтонами, карнизами, фризами, архитектурными профилями и т.д., делаются весьма похожими на античные храмы. Излюбленным украшением, которое появляется в это время на косяках или углах шкафов, комодов и секретеров, становятся своеобразной формы кариатиды с неестественно вытянутыми мумиеобразными туловищами, женскими головками и ногами.

Портрет мадам Рекамье. Ж. Давид. 1800 г. Масло, 173 x 244 см. Лувр, Париж

Портрет мадам Рекамье. Ф. Жерар. 1805 г. Масло, 255 x 145 см. Музей Карнавале́, Париж

Ампир рождает новые типы мебели. Появляются: книжный шкаф, украшенный трельяжем, узкая горка для драгоценностей, узкий сервант, шкафы для фарфора, круглые сервировочные столы для фарфоровой посуды, клавикорды, псише и др. Распространение получают массивные тумбочки цилиндрической формы, весьма похожие на пьедесталы. Они обычно устанавливались в спальне симметрично по обеим сторонам кровати. Секретеры в это время по-прежнему принадлежат к числу наиболеё популярных предметов меблировки помещений. За откидными столешницами секретеров скрываются многочисленные ящички, ниши, полочки, которые отделываются дорогими породами дерева, зеркалами, бронзой и др.

Письменные столы делаются различных типов, иногда превращаясь в столы-бюро или шкафы-бюро. Такие столы делаются, как правило, двухтумбовыми с выдвижными ящиками. Но существуют и столы, стоящие на четырех ножках. Большой популярностью в стиле ампир пользуются разнообразные круглые столы, имеющие одну центральную опору или ножки в виде крылатых химер или других чудовищ, а также волютообразной формы с львиными масками или букраниями в их верхней части.

В моду входят круглые столы-геридоны, жардиньерки-подставки для цветов и столики для умывания в виде античных жертвенников (трипосы). Столешницы и коробки подстолья часто выполняются из мрамора или малахита и украшаются вставками из золоченой бронзы с типично ампирным декором в виде венков, вазонов, гирлянд, профилей женских головок и др. Жардиньерки нередко имеют форму античных бронзовых алтарей. Продолжают делаться и прямоугольные столы на четырех свободно стоящих ножках, а также столы-консоли на ножках в виде герм, представляющих собой четырехгранный, расширяющийся кверху столб, увенчанный головой или бюстом мифологического персонажа, кариатид, грифонов или мумий, опирающихся на специальные хорошо профилированные подставки-постаменты (цоколи).

Большую известность получил т.н. стол наполеоновских маршалов, созданный по проекту Ш. Персье и декорированный золоченой бронзой работы известного бронзовщика П.Ф. Томира и мозаикой из севрского фарфора по эскизу Ж.-Б. Изабе. Другим выдающимся произведением мебельного искусства является бюро Наполеона.

Кровати в эту эпоху делаются с одинаковыми боковинами и с балдахином или без него и часто устанавливаются на цоколи. Балдахин теперь подвешивается на раму, которая крепится к потолку. Такие кровати в стиле ампир решаются в форме римского саркофага, но создается и новый тип кровати, т.н. кровать-ладья, предназначенная, как тогда говорили, облегчить течение жизни. Выдающийся образец кровати этой эпохи - кровать императрицы Жозефины. Опорные части этой кровати выполнены в форме огромных рогов изобилия из позолоченного дерева, опоры изголовья также представляют собой рога изобилия, над которыми расположены резные фигуры лебедей с поднятыми крыльями. Само ложе напоминает походную палатку римского полководца с шатром из алого кашемира.

В болеё позднеё время мебель ампира явно перенасыщается бронзовым декором, болеё того, появляются небольшие декоративные предметы, выполненные целиком из золоченой бронзы, серебра и даже стекла. Традиция декорирования мебельных объектов бронзой держалась во французском мебельном искусстве начиная с Людовика XIV и заканчивая ампиром почти полтора века.

В эпоху ампира, по сравнению с предыдущим стилем, мастера-мебельщики не применяют каких-либо новых приемов при отделке мебельных объектов. Важную роль в отделке мебели стали играть фактура и текстура материала, которые раньше были скрыты за массой резных украшений и архитектурных шаблонов. В первую очередь применяется доведенная до совершенства техника фанерования. Фанера изготавливается, обычно, из темного красного дерева, а иногда из чёрного, и тщательно полируется. Применяются также и светлые породы дерева: лимонное дерево, ясень, клён, вишнёвое дерево и др. Отполированные до зеркального блеска поверхности мебельных объектов из красного и черного дерева и поверхности мебельных объектов, окрашенные в белый цвет под лак, оттеняются бронзовыми золочеными накладками и, реже, накладной золоченой резьбой, что придает интерьеру торжественность, строгое изящество и монументальность.

Интарсия и маркетри из различных пород дерева в эту эпоху встречаются крайне редко.

У мебели стиля ампир есть связь с мебелью стиля Людовика XVI. Например, мебель Жакоба, который начал работать еще в предыдущем стиле, а в ампирную эпоху был главным исполнителем мебели для Наполеона и других королевских дворов и аристократии, выполняется по проектам (рисункам) Персье и Фонтена. Сотрудником Жакоба был уже упоминавшийся выше знаменитый бронзовщик П.Ф. Томир, который делал бронзовые украшения и скульптуру для всех существовавших тогда дворцов.

По своему характеру стиль ампир в мебели во всех европейских странах имеет единообразные формы, хотя и отличается региональными оттенками. Однако влияние французского ампира на подобную стилистику в других странах было весьма значительным и определяющим.

Австрийская, немецкая, итальянская и английская мебель ампира

Австрийский и немецкий ампир представляют собой все тот же предыдущий стиль классицизма, но с большим тяготением к античной стилистике, т.н. стиль цопф. В это время Вена становится одним из ведущих центров мебельного производства, а австрийская аристократия и крупная буржуазия, которая всегда тяготела к богатству и роскоши, тем не менеё обставляла свои апартаменты мебелью весьма изысканной, но простой по форме и не перегруженной бронзовым декором, характерным для французских образцов. Формы добротно изготовленных стульев и кресел имеют хорошие пропорции и изящный абрис. Ножки, обычно, делаются гладкими, а бронзовых украшений используется минимальное количество. Столы в это время делаются круглыми и прямоугольными, близкими к стилям Людовика XVI и цопф, громоздкие диваны имеют высокие боковины, декорированные колонками. Важным предметом обстановки становится клавир. Известно, что Вена стала после 1790 г. одним из центров по производству такого рода музыкальных инструментов. Добротная столярная основа, наличие различных технических устройств, изящество форм ставят австрийские изделия этой эпохи в один ряд с английскими образцами.

Диван. Лондон, 1759-1765 гг.

Кресло для короля Вильгельма IV. 1834 г.

Новый имперский стиль мало коснулся Германии, т.к. она была в это время раздроблена на множество княжеств. Однако часть немецкой мебели делается в стиле ампир, правда, этот стиль в мебели тяготеет больше к греческой классике, нежели к имперскому Риму и весьма похож на стиль цопф.

Насаждение имперского стиля в Италии начинается со времен правления Наполеона, который подчинил себе большую её часть. Вначале в этом стиле решаются резиденции родственников Наполеона в Италии и их обстановка. Например, сестра Наполеона Элиза Бачиоки выписывает из Франции мастеров-мебельщиков и декораторов для отделки дворца Питти во Флоренции, покровительствует местным итальянским мастерам, работающим в этом стиле. В ампирном стиле меблируется дворец Жерома Бонапарта в Портичи и т.п. Однако свой расцвет стиль ампир, развивавшийся в Италии в период с 1815 до 1840 гг., достиг уже после свержения Наполеона.

В Англии в период 1812-1830 гг. складывается стилевое направление, близкое к французскому стилю ампир. Это направление, получившеё название стиля Регентства (Regency), и наступивший после него стиль Георга IV (1820-1830 гг.) зародились еще в классических интерьерах и мебели братьев Адам. Направление было подхвачено Хеппельуайтом и Шератоном и окончательно сложилось в творчестве последующего поколения английских мастеров. К середине XIX в. в Англии в стиле и образе жизни различных социальных групп усиливается дух рациональности и здорового практицизма. Это стремление к простоте проявляется сначала в одежде, а затем в мебели и интерьере. Английские классические формы мебели оказали влияние на мебель многих европейских стран и даже на французскую мебель. Это влияние проявилось в общей тенденции к целесообразности, простоте и стремлении освободить мебель от влияния архитектурных форм и принципов их построения.

Влияние ампира проявилось болеё всего в проектах Томаса Хоупа, но эти проекты можно считать скореё исключением, чем правилом развития английского мебельного искусства. Но даже эти проекты болеё строга и «демократичны», чем антиквизирующие формы мебели Персье и Фонтена и близкие к ним образцы мебели итальянцев Джузеппе Сали и Джакомо Альбертоли.

После падения Наполеона все, что было связано с его именем и деятельностью во Франции и в других европейских державах, постарались забыть; это относилось и к насаждаемому там стилю ампир. Однако стилистика ампира продолжала жить и дальше, например, в пришедшем на его смену, в первую очередь в Германии, Австрии и даже России, бидермейеру, не говоря уже о возникших впоследствии т.н. неостилях. Влияние ампира на крестьянскую мебель в некоторых странах продолжало ощущаться до конца XIX в.

Русская мебель ампира. Александровский ампир

В искусстве европейского классицизма и ампира конца XVIII-начала XIX в. важное место принадлежит России. В России становление и развитие ампира приходится на начало XIX в. и время правления Александра I (1801-1825 гг.). Победа в Отечественной войне 1812 г., восстановление и застройка Москвы, сооружение величественных архитектурных ансамблей в Петербурге послужили благоприятной почвой для расцвета ампира в России, который весьма существенно стал отличаться от европейского, хотя исходные стилевые элементы русского ампира и роднят его с французским.

Кресло. Красное дерево, позолота. XIX в.

Табурет. Красное дерево, позолота. XIX в.

Наиболеё ярко стиль ампир проявился в архитектуре. В это время в России работают великие архитекторы: А.Н. Воронихин, А.Д. Захаров, М.Ф. Казаков, Дж. Кваренги, Тома де Томон, К.И. Росси, В.П. Стасов, О.И. Бове. Русская архитектура находится на подъеме, она может решать сложные градостроительные задачи и создавать великолепные сооружения. Адмиралтейство, Казанский собор, здание Главного штаба, Михайловский и Елагинский дворцы и, особенно, их интерьеры представляют собой удивительные по своей завершенности и ясности архитектурные композиции и художественные ансамбли. В этот период подъем переживает и русское мебельное искусство. Архитекторы, проектируя интерьеры, проектируют и мебель, внося в её формы и декор совершенно новые черты, которые начинают придавать русской мебели своеобразный характер. Вначале русская мебель, особенно дворцовая, не свободна от влияния французских и даже английских образцов, но позднеё русское мебельное искусство приобретает самобытный самостоятельный характер. Наряду с роскошно декорированной парадной мебелью русские мастера создают болеё удобную и простую мебель для помещичьих усадеб и зажиточных слоев городского населения.

Красное дерево, бронзи-рованное и позолоченное только изнутри кресло, приблизительно 1800 г.

Кресло-жардиньерка. Павловский дворец. Дерево, резьба, позолота, окраска под бронзу, бархат, вышивка по канве. По проекту А. Воронихина. Мастерская К. Шейбе, 1806 г.

В самом начале века популярностью пользуются работы петербургской мебельной мастерской X. Мейера. Считается, что именно он стал делать мебель из красного дерева простых прямолинейных форм, украшенную латунными узкими полосками (тягами), подчеркивающими вертикальные и горизонтальные членения мебельного объекта. Такая мебель несколько позже получила в России название мебели, изготовленной в стиле Жакоб - по имени известного французского мебельного мастера. В первой четверти XIX в. на первые роли выдвигается придворный мебельщик Г. Гамбс, ученик Д. Рентгена. Он сам и мебельщики его фирмы производят много мебели, близкой к творчеству Рентгена и Жакоба Демальтера, а также мебели по проектам русских архитекторов. Кроме Г. Гамбса в Петербурге заслуженной славой пользуются мастерские В. Бобкова, А. Тура, И. Баумана, Ф. Гроссе, а в Москве - А.К. Пика.

Русская ампирная мебель отличается от французской и английской. Формы её проще, и выглядит она болеё монументальной, поражая красотой своих пропорций и согласованностью отдельных частей. Основная черта ампирной мебели, в т.ч. и русской - это строгое подчинение её формообразования законам классической архитектуры: трехчастным делением основного объема на основание (цоколь), тулово (основную часть) и завершающую верхнюю часть, что подчеркивалось обычными для зодчества членениями в горизонтальном и вертикальном направлениях. В каждом мебельном объекте массы строго пропорционально рассчитаны, что усиливает и подчеркивает статичную и монументальную их композицию. Своеобразие декорировки мебели александровского ампира - это концентрация отдельных пятен орнаментировки в определенных местах на сравнительно небольших гладких поверхностях мебельных объектов. Большинство русской мебели, кроме некоторых образцов дворцовой, парадной, не декорируется золоченой бронзой. Вместо неё применяется лепка из гипса или левкаса или же резьба из дерева, которые потом или золотятся, или красятся в черный цвет, или отделываются под старую (патинированную) зелёную бронзу.

Декоративными мотивами служат весьма популярные в этом стиле различные воинские эмблемы, лавровые венки, гирлянды, орлы, стилизованные лебеди с изогнутыми шеями, грифоны, львы, лиры, листья аканта, меандр, симметричные пальметты и т.д. Мебель украшается элементами архитектурных ордеров: колоннами с базами и капителями, фризами, карнизами, а её конструктивные членения подчеркиваются архитектурными тягами невысокого рельефа. Кроме того используются гермы, выполненные на древнеримский или древнегреческий манер, сфинксы, химеры, крылатые богини Ники и другие фантастические фигуры, симметрично расставленные и застывшие в неподвижных позах.

В это время в России большое разнообразие получает мебель для сидения. У стульев и кресел спинки делаются прямоугольными, глухими и мягкими, несколько напоминающими образцы предыдущего стиля. Локотники кресел часто опираются на резные фигуры орлов, львов или лебедей. Мотивы животных и фантастических чудовищ используются также для декорировки ножек, особенно передних. Вместо глухих мягких спинок в большом количестве делаются прорезные ажурные спинки с разнообразным рисунком. В качестве мотивов для таких рисунков также используются фигуры лебедей, военные трофеи и музыкальные инструменты. В то же время делается мебель для сидения, фанерованная красным деревом, карельской или волнистой берёзой, в которой почти нет украшений. Большой популярностью пользуется кресло-корытце с полукруглой спинкой, плавно переходящей в низкие локотники, которые часто украшались резными фигурками лебедей. Первоначально этот тип кресел был выработан во Франции как кресло к письменному столу. Но постепенно его ввели в состав гарнитуров для гостиных. Такие кресла были весьма характерны для интерьеров дворцов, дворянских особняков и помещичьих усадеб. Оригинальной переработкой мотива формы кресла-корытца является кресло красного или тополевого дерева, не имеющеё аналогий в западноевропейском мебелестроении. Центральную часть его спинки украшают фигурки двух грифонов с вазой между ними. Грифоны окрашены в черный цвет, а ваза и некоторые другие резные элементы - позолочены. Верхняя поперечная планка спинки изысканной линией плавно переходит в изогнутые бруски локотников. Передние ножки прямые точеные, суживающиеся книзу. Задние ножки искривлены. Большую роль в меблировке русских домов начинают играть диваны. В дворянских домах появляется т.н. диванная комната. В начале XIX в. диваны имеют характерные прямоугольные очертания, формы их внушительны и монументальны. Вместо локотников они имеют высокие боковины с резными колонками. Стоят такие диваны на широких прямоугольных опорах или на ножках, декорированных в виде львиных лап. Делаются диваны в форме ладьи или широкого кресла, а резные локотники имеют форму лебедей, львов или сфинксов. Гладкие поверхности спинок и локотников покрывались фанерой высокого качества из красного дерева или карельской берёзы. Ампирный диван, обязательный преддиванный круглый, овальный или прямоугольный стол на одной широкой вазообразной стойке (или в виде тумбы) и несколько расставленных вокруг него стульев или кресел, большое зеркало или картина над диваном в богатой раме из красного дерева или карельской берёзы являлись непременными атрибутами меблировки русского жилища того времени. Украшением парадных комнат богатого дома служила также т.н. клавишная арфа, или клавицериум, в виде большого шкафа, т.к. этот музыкальный инструмент (по существу, рояль) имел вертикально расположенные струны. Корпус этого инструмента делался из ореха или красного дерева и устанавливался на ножки в виде грифонов. Постепенно такие инструменты стали заменяться на фортепиано. Изготавливаемые в то время книжные шкафы, комоды, горки, шифоньеры, секретеры, этажерки и т.п. мебельные емкости декорировались колонками и пилястрами с капителями, фризами и карнизами и имели четкие членения и пропорциональную согласованность своих основных формообразующих элементов. Такая мебель, а также мебель для сидения, расставлялась в помещении как можно симметричнее, образуя строгие композиции и согласуясь с рисунком декора и членениями стен.

Красиво декорированных кроватей в России в ампирном стиле делалось по-прежнему весьма мало. На них, по сравнению с французской традицией, почему-то мало обращали внимания, довольствуясь старыми образцами.

Десятые годы XIX в. характерны для русских мастеров расширением номенклатуры используемых мебельных материалов. Кроме уже известных к тому времени красного дерева, карельской берёзы и ясеня, стали широко применять тополь, волнистые клён и берёзу, мореную грушу и др. породы. Мебель, которая изготавливалась из местных пород и поэтому была недорогой, часто окрашивалась в белый цвет, а резьба золотилась, окрашивалась в темные цвета или чернилась. В это время по рисункам архитекторов детали столов начали изготавливать из хрусталя или цветного стекла. Гранильные фабрики Петергофа, Екатеринбурга и Колывани стали делать столешницы из мрамора, малахита и яшмы. Петербургский фарфоровый завод приступил к изготовлению различных плакеток и медальонов из фарфора и фаянса, украшенных мотивами на античные темы, которые врезались в деревянные плоскости парадной ампирной мебели.

Одним из прекрасных мастеров русского классицизма и ампира был архитектор А.Н. Воронихин (1759-1814 гг.), спроектировавший Казанский собор и Горный институт. Он много работает над интерьерами создаваемых им и реконструируемых зданий, проектируя, в том числе мебель, светильники, обивочные и драпировочные ткани, декоративные хрустальные вазы и т.д. После пожара, случившегося в Павловском дворце в 1803 г., ему было поручено восстановление его парадных апартаментов, а несколько позднеё - интерьеров и меблировки жилых помещений дворца. В своей мебели А.Н. Воронихин не использовал бронзовых украшений, заменяя их резьбой по дереву, которая потом золотилась или покрывалась черно-зеленой краской, имитирующей старую бронзу. Качество резьбы русских резчиков было безупречным - их мастерство опиралось на вековые традиции народной резьбы. В мебельных объектах, выполненных по рисункам А.Н. Воронихина, уже просматривается определенная тенденция формообразования русской мебели первой трети XIX в., которое идет по двум весьма самостоятельным направлениям. По одному мебель делается парадной, по другому - бытовой, камерной. Например, мастер создал типичную парадную обстановку залов Мира и Войны и Греческого зала в Павловском дворце. Прекрасно выполнены золоченые кресла и диваны для Греческого зала с ажурными спинками, украшенными грифонами, и резными передними ножками в виде орлов, крылья которых соединены со спинками и служат локотниками. В залах Мира и Войны мебелью для сидения служат курульные кресла, опоры которых выполнены в виде пучков стеблей, перевитых золочеными жгутами, стоящих на львиных лапах. Прекрасно выглядит мебель, созданная им для неофициальных помещений, которая отличается легкостью пропорций и светлыми тонами использованного материала и его отделки. Здесь Воронихин использует, также как и для мебели Розового павильона, волнистую берёзу с её великолепным золотистым оттенком и красотой текстуры, которые здесь слегка подчеркиваются небольшими вставками черненого дерева. Обивка мебели выбирается самим архитектором, а её рисунок им проектируется заранеё в полном согласии с композицией мебельного объекта и декором стен. Например, им были созданы многочисленные эскизы для вышивок шерстью крестом на мебельных тканях.

Орнаментировка воронихинской мебели выполняется в русле принятой в то время антиквизирующей тематики стиля ампир. Те же розетки, венки, пальметты, геометризированные растительные орнаменты, трофеи, кариатиды, аллегорические фигуры, орлы, лебеди, грифоны и т.п., но их трактовка поражает своим разнообразием, богатством выдумки и особым изяществом исполнения.

Особое место в мебельном искусстве принадлежит зодчему К.И. Росси (1775-1849 гг.), который уже с 1816 г. для возводимых им зданий сам проектирует мебель. Мебель по его рисункам заказывалась таким известным мастерам как В. Бобков, Г. Гамбс, А. Тур, И. Бауман. Создаваемые им интерьеры в перестраиваемом Аничковом дворце, в строящихся Елагине и Михайловском дворцах, здании Главного штаба, библиотеке дворца в Павловске и т.д. меблируются авторской мебелью. Для парадных помещений К. Росси создавал мебель большей частью золоченую или окрашенную в белый цвет с золоченой резьбой. Проектировал также гарнитуры из красного дерева, карельской берёзы, серого клена, ореха, тополя, допуская иногда накладки из золоченой бронзы. В его мебели достаточно много резного декора, где в качестве мотивов используются, в основном, растительные античные орнаменты из венков, пальметок, акантовых листьев, а также мотивов рога изобилия и лиры. Он почти не применяет орлиных лап и голов, львиных масок, птичьих крыльев и т.п. Излюбленными цветами и цветосочетаниями обивки, которую он также проектировал, становится белый цвет с жёлтым или оранжевым, белый с синим или голубым. Иногда он применяет также бледно-зеленые и бледно-сиреневые тона. Известен большой гарнитур, выполненный К. Росси в 1817 г. для гостиной Аничкова дворца. Вся мебель окрашена здесь в белый цвет, а резьба невысокого рельефа позолочена. Центральный объект гостиной - ладьевидной формы диван, декорированный накладной плоской резьбой в виде пальметт, лир, бабочек, веток плюща, розеток. Стулья и кресла имеют TV-образные, слегка скругленные в плане спинки, центральные планки которых напоминают лиру, украшенную бабочками. Первоначальная обивка этого гарнитура была из голубого бархата; но позже (когда гарнитур поступил в одну из парадных гостиных Зимнего дворца в 80-х гг. XIX в.) была заменена на обивку светло-зеленого тона. Существуют еще два подобных по форме и декору гарнитура по рисунку К. Росси, созданных для Зимнего дворца и Петровского дворца в Москве в 1817 г. Подобных повторений в последующие годы К. Росси не делал. Проектируемая им мебель, люстры и драпировки, роспись, скульптура, декоративные вазы и т.п. создавались исходя из специфики того или иного интерьера, для строго определенного зала и определенного места. Такой подход, как наиболеё характерный, осуществлялся в процессе возведения Елагина и Михайловского дворцов. Камерность Елагина-дворца задают размеры и масштаб его помещений, каждое из которых было задумано зодчим как самостоятельный интерьерный комплекс, где все элементы подчинены единому композиционному замыслу. Мебельные гарнитуры этого дворца являются примером прекрасного использования волнистого клена и бронзовых накладок - весьма редких украшений для русской мебели, оттеняющих гладкие полированные поверхности этого дерева. Гарнитуры были созданы по рисункам К. Росси в 1819-1822 гг. в петербургских мастерских И. Баумана, который начал свою деятельность еще в конце XVIII в. Там же делались и гарнитуры, окрашенные в белый цвет с золочёной резьбой. В мебельный гарнитур Елагина-дворца из волнистого клёна входят, помимо дивана, стульев, кресел и преддиванного стола, еще кушетка с небольшой скамеечкой для ног, стоящей на звериных лапах, низкие шкафчики, которые часто использовались для книг, с плоской столешницей вверху, где устанавливались подсвечники, декоративные вазы, кашпо с цветами, часы и др., и дамское бюро, стоящеё на точеных, суживающихся книзу ножках. Верхняя часть бюро имеет емкость с рядом выдвижных ящиков и верхнюю полку, стоящую на колонках. Между ёмкостью и полкой установлены зеркала.

Михайловский дворец, ныне Государственный Русский музей, строительство которого К. Росси закончил в 1825 г., поражает великолепием своих просторных, украшенных лепниной и росписью залов, праздничность которых дополняет парадная бело-золотая мебель, которая и сегодня частично стоит на отведенных ей зодчим местах. Здесь сохранился почти без изменений центральный Белоколонный зал. Мебель для этого зала по рисункам К. Росси выполнил мастер В. Бобков, который до этого делал резные створки дверей и мебель в Елагине-дворце. Белые стены зала имеют теплый оттенок и украшены в верхней части лепным золоченым фризом, над которым находится живописный плафон потолка. Объем зала разделен колоннами на три части. Стволы колонн окрашены в цвет стен и имеют золоченые капители. Меблировка зала тщательно продумана и состоит из множества резных золоченых стульев и кресел, диванов, овальных и круглых столов, а также столов-консолей с голубыми стеклянными столешницами, которые поддерживают огромные зеркала в простенках между окон. Диваны, стоящие у стен, столы перед ними и расставленные вокруг кресла образуют строго продуманные симметричные композиции. Два двухсторонних дивана оригинальной формы стоят между колоннами, как бы отделяя и организуя самостоятельное пространство каждой трети объёма зала для собравшегося там общества. В декоре этого зала, где мастер добился гармоничного сочетания белого цвета с голубым и золотом, мебель выполняет одну из ведущих образно-смысловых и формально-композиционных ролей. Она может показаться излишне тяжеловесной и пышной, но, бесспорно, выражает торжественный и помпезный образ этого дворца. В других помещениях дворца стояла мебель из карельской берёзы, красного дерева и ореха с золоченой резьбой. Эта мебель хорошо сочеталась с бумажными и ткаными обоями синего, оранжевого и лилового цвета с золотыми узорами.

Влияние на развитие русской мебели оказал и другой замечательный мастер того времени - архитектор В.П. Стасов (1769-1848 гг.), автор целого ряда интерьеров и мебели Большого Царскосельского дворца в начале 1825 г. Им был создан один из шедевров - т.н. кленовая опочивальня Марии Фёдоровны и другие помещения для Александра I. Мебель для дворца, спроектированная Стасовым, изготовлялась мастерскими Г. Гамбса и А. Тура. По сравнению с ампирной мебелью Росси, его мебель имеет болеё строгий вид и не перегружена резной орнаментикой. Считается, что именно Стасов ввел в оборот новую и весьма рациональную конструкцию стула и кресла с т.н. боковой рамой и вкладным сиденьем. Такой тип конструкции стула или кресла продержался в русской мебели весьма долго. Конструкция такого стула состоит из двух плоских боковых рам, каждая из которых образует переднюю ножку, боковую стенку коробки сиденья и заднюю ножку, переходящую в стойку спинки. На высоте сиденья рамы стягиваются двумя поперечными брусками. Стойки спинки соединяются поперечной доской, обычно украшенной резьбой невысокого рельефа. Вкладное сиденье устанавливается между боковыми стенками рам стула на поперечные бруски. Такое сиденье делается трапециевидной формы. Рациональность конструкции, простота сборки, высокая прочность и жесткость, удобство обеспечили такому типу стула или кресла широкое распространение. Подобные места для сидения входили в меблировку как дворянских, так и купеческих домов. Дворянские усадьбы, в подражание императорскому двору, также меблировались в стиле ампир. Такие парадные помещения как гостиные, кабинеты, диванные комнаты обставлялись, в основном, удлиненными овальными или восьмигранными столами, стоящими перед диванами на ковре, и рядом стульев или кресел. В гостиных стояли еще и горки с декоративным фарфором и хрусталем. В кабинетах к этим мебельным объектам добавлялись: письменный стол или бюро, книжный шкаф, секретер или конторка. В парадных комнатах платяные шкафы и комоды традиционной прямоугольной формы с тремя или четырьмя выдвижными ящиками не ставились. Подобная мебель обычно изготовлялась руками крепостных мастеров. Материалом для её изготовления служили берёза, липа, ясень. Иногда мебель фанеровали, но чаще тонировали, например, берёзу под красное дерево, и полировали. Своими формами и декором она напоминала образцы столичной мебели, но характерными для последней строгостью пропорций, жёсткостью прорисовки отдельных деталей, пышностью и помпезностью не обладала.

Одним из лучших мебельных мастеров александровского и предыдущего периодов по праву считается Генрих Гамбс (1765-1831 гг.) и его фирма, которую после его смерти возглавили его сыновья и преемники Пётр Гамбс (1802-1871 гг.) и Эрнст Гамбс (1805?-1849 гг.). Его имя ассоциировалось у современников с высшими достижениями мебельного искусства. В этом нас убеждает одна из уникальных его вещей - большое бюро красного дерева, украшенное золочёной бронзой. Над этим мебельным объектом мастер работал около двадцати лет, начиная с 1795 г. и до 1815 г. Бюро напоминает архитектурное сооружение с цоколем, каннелированными колоннами, цилиндрической крышкой, выступающей средней верхней частью, балюстрадой. Бюро богато декорировано золочёной бронзой. Особого внимания заслуживает центральная прямоугольной формы плакетка с рельефной композицией Аполлон и музы (по мотивам картины итальянского художника XVII в. Гвидо Рени), а также медальоны с античными головками, фигуры муз, изображения орлов, дельфинов, маскаронов. В центре на верхнем выступе бюро установлена бронзовая скульптурная группа из трех мифологических персонажей: Минервы, Клио и Виктории. Это бюро не только прекрасный образец мебельного искусства, но и сложное техническое сооружение, снабжённое потайными механизмами. Например, при повороте ключа выезжает пюпитр, раскладывается столешница, выдвигаются ящики для письменных принадлежностей. При нажатии на одну из деталей в бронзовом медальоне появляется полочка для секретных вещей. Затем в нижней части цоколя выдвигается подставка, на которой стоит складное кресло с локотниками, обитое зелёным бархатом. Все эти технические манипуляции сопровождаются музыкой Моцарта, которую воспроизводит спрятанный внутри корпуса бюро механический орган. Вся стилистика формы бюро, его архитектурное построение, прямые членения, колонны, фигуры в античных одеждах и т.п. указывают на то, что большая часть работы над ним была выполнена Гамбсом в конце XVIII в. в подражание работам своего учителя Д. Рентгена. Предполагается, что этот мебельный объект он создавал для Екатерины И. По словам мастера, он начал работу над ним лишь для того, чтобы публично подтвердить свой талант механика и краснодеревца. Наряду с такими уникальными произведениями как это бюро фирма Гамбса изготовляла в большом количестве болеё простую и недорогую мебель для небогатых городских домов и загородных усадеб: шкафы, бюро, секретеры, комоды, горки, различную мебель для сидения, столы, консоли, тумбы, корпуса для часов и т.д. Во всех образцах такой мебели выявлена природная красота дерева, которую подчеркивают типичные для Гамбса золоченые или патинированные бронзовые накладки и прорезные латунные орнаменты. Для производства качественных бронзовых конструктивных элементов и украшений мебели у Гамбса была своя литейная мастерская.

Суммируя сказанное, в русской мебели стиля ампир можно выделить три весьма резко различающиеся её разновидности:

1. мебель, которая изготовлялась для императорского двора и крупных представителей правящего класса. Такая мебель по своим формам и декору напоминала французские ампирные образцы и делалась из массива красного дерева или карельской берёзы и декорировалась массивными бронзовыми накладками. Производили мебель крупные столичные мастерские, например, Г. Гамбса, А. Тура и др.;
2. мебель, вышедшая из мастерских помещичьих усадеб, болеё скромная по материалу и декоративным украшениям. Вместо бронзовых накладок здесь делается плоская резьба по дереву, которая иногда заменяется лепниной из левкаса. Такая резьба или лепнина, имитирующая резьбу, обычно красится в черный цвет, под старую бронзу или золотится;
3. мебель, которая получает распространение в России в период 30-40 гг. XIX в. Стилистика такой ампирной мебели, как бы переделанной в сторону её большего удобства и полного соответствия тем или иным жизненным процессам, соответствует уже стилю бидермейер, который получил распространение, в противовес европейскому ампиру, в Германии, Австрии и Англии после падения Наполеона. Но русский бидермейер строже и ближе к ампиру. Кроме того, в этой мебели под красное дерево сохранилось много чисто народных черт, что послужило причиной столь длительного её существования и широкого распространения в России в течение всего XIX в.

Эпоха ампира в России была весьма непродолжительной. Однако этот стиль успел вобрать в себя весь образ эпохи, все разнообразие уровней мастерства и приемов художников и архитекторов того времени. Подъём в архитектуре и русском искусстве в целом был вызван универсальностью, целостностью и упорядоченностью новой художественной системы, её внутренней логикой и завершенностью. Именно на эти её качества опирался ампир. В упорядоченной системе ампира, основанной на универсальных принципах античного искусства, где архитектурно организованное внешнеё и внутреннеё пространство зданий и сооружений существовало в гармонии с окружающей средой, легко вмещалось множество тенденций, течений и направлений стиля. Это единство противостояло неумолимо надвигающейся эклектике. Александровский ампир, начиная с 1830 г., особенно в столичных городах, сменяется новыми стилевыми направлениями, но продолжает жить в провинции и в усадебной архитектуре России до самой середины XIX в. Сохранившиеся памятники русского ампира своим изяществом, завершенностью и согласованностью своих элементов, величием и торжественностью напоминают нам о золотом веке художественной культуры России.

Использованы материалы учеб. пособия: Грашин А.А. Краткий курс стилевой эволюции мебели - Москва: Архитектура-С, 2007

7082 03.05.2019 7 мин.

“Ампир” в переводе с французского языка обозначает «имперский стиль». Он представляет собой движение эпохи Высокого классицизма в области архитектуры и прикладного искусства. Ампир зародился во Франции в годы правления Наполеона I Бонапарта. Активное развитие ампирного стиля наблюдалось в начале 19-го столетия, но после 30-х годов ему на смену пришел . Цель ампира – воплощение идеологии могущественного государства и представителей власти, акцентирование на силе непобедимой армии.

Особенности

Театральность в интерьере и конструктивной организации зданий относит ампирское направление к «королевским стилям». Главной особенностью построек этого времени является наличие различных классических деталей – пилястров, лепных карнизов, высоких колонн и т.д. Кроме того, в ампире присутствуют репродукции монументов – лапы львов, мифические сфинксы и прочие композиции этого направления.

В ампире соблюдается симметричность и равновесие форм, все элементы декора распределяются в строгой упорядоченности. Для него характерно декорирование дорогостоящими деталями, присутствие элементов на военную тематику, а также скульптурные и выразительные композиции.

История возникновения

В мире

Ампирский стиль считается последним и завершающим этапом , который возник во 2-й половине 18-го столетия. Во Франции начался процесс возрождения классицизма в период правления императора Бонапарта. Отличительной чертой возродившегося движения стал официальный стиль, суть которого отобразилась в его официальном названии.

Ампир получил довольно широкое распространение в странах Европы и развивался в течение первых 30-ти лет 19-го века.

Во Франции имперский стиль отразился в дворцовых интерьерах и мемориальных архитектурных строениях. Для построек в стиле ампир были характерны парадность и торжественность композиций. Самые известные французские зодчие, трудившиеся при дворе императора:

• Пьер Фонтен.
• Шарль Персье.

В России

Русский ампир появился во времена правления Александра I Павловича. Тогда было очень модно приглашать иностранных архитекторов, тем более что в начале 19-го столетия в России наблюдалось активное увлечение французской модой и культурой.

Одним из основоположников ампира в русской архитектуре считается Анри Луи Огюста Рикар де Монферрана. Французский зодчий был приглашен в Россию для строительства крупнейшего православного храма в Санкт-Петербурге – Исаакиевского собора.

Стиль ампир в архитектуре подразделялся на два направления:

• Московское.
• Петербургское.

Это деление определилось не только по территориальному признаку. Оно также отличалось по степени отрыва от направления классицизма – московское направление стояло к нему значительно ближе.

Самый популярный деятель ампирского направления в Петербурге – Карл Росси. Не менее талантливыми зодчими этой эпохи были:

• Андрей Воронихин.
• Доменико Жилярди.
• Андреян Захаров.
• Василий Стасов.
• Остап Бове.

Среди скульпторов имели высокую популярность:

• Феодосий Щедрин.
• Иван Матрос.

Стиль ампир в российской скульптуре и архитектуре господствовал всего 10 лет (1830-40 гг). Но в период 1930-50 гг. в Советском Союзе это движение возродилось в несколько перерожденных формах и получило название «сталинский ампир».

На фото представлен Михайловский дворец, спроектированный архитектором Карлом Ивановичем Росси.

Михайловский дворец, Карл Иванович Росси

Сталинский ампир

Стиль русского ампира занимал главенствующие позиции в монументальном и архитектурном искусстве Советского Союза 1940-50 годов. В декоре различных помещений преобладает деревянная мебель массивных форм, бронзовые статуэтки, светильники, а также лепнина под потолками значительной высоты.

Сталинские высотки, расположенные в столице, являют собой символ эпохи сталинского ампира и в частности архитектуры. В Москве к концу 1950-х годов было возведено 7 самых высоких строений того времени.

Стиль сталинского ампира объединяет в себе , образы наполеоновской эпохи, классицизма (позднего) и .

Ярчайшим примером внутреннего интерьера, организованного в этом направлении, является банкетный зал, расположенный в помещении Центрального Московского ипподрома. На фото четко видны строгие черты ампирского стиля в архитектуре здания.

Центральный Московский ипподром

При оформлении интерьера мебели используется резьба. На поверхности шкафов и тумб можно наблюдать рельефы в виде пятиконечных звезд, колосьев и лавровых венков.

Важную роль в сталинском ампире играли люстры, которые не только освещали комнаты, но и отличались представительностью торжественного вида. Их изготавливали из бронзы и украшали подвесками из хрусталя. Для организации декора различных помещений использовались материалы исключительно натурального происхождения – мрамор, бронза, хрусталь, керамика, дерево.

Интерьер

Интерьер в стиле ампир характеризуется четкими линиями форм необычными решениями в вопросе отделки поверхностей. Для него присущи настенные ковры древних мастеров, многочисленные украшения из металла и картины в позолоченных рамах. К главным чертам ампирического направления относятся:

• Строгие линии.
• Торжественность форм.
• Парадность композиций.

Внутреннее оформление зданий в стиле ампир отличается насыщенной цветовой гаммой. Используются яркие оттенки: золотой, синий, голубой, белый или красный. Бронзовые и золотые вкрапления превосходно сочетаются в этой палитре.

К аксессуарам интерьера относятся детали снаряжения военных древнеримской армии:

• Знаки легионеров, на которых изображены орлы.
• Стрелы, собранные в пучках.
• Связки копий, щиты с рельефами.
• Топоры.

Скульптурное разнообразие наблюдается в гармоничном совмещении мифологических композиций и изображений античности: богиня победы, сфинксы, кариатиды или грифоны.

Мебель

Мебель в стиле ампир характеризуется, как в течении архитектурных и интерьерных веяний. Для изготовления гарнитуров используется орех, а также красное дерево. Мебель, выполненная из березы (карельской), применялась в интерьере российских построек. Украшением поверхностей служат накладки с позолотой или из бронзы. На них изображаются мотивы на военную тематику – шлемы, щиты, скрещенные копья или мечи, венки из лавровых листьев. Спинкам стульев придается изогнутая форма лиры. Стоит отметить, что мебельные гарнитуры эпохи ампира не отличаются комфортабельностью – особое предпочтение отдается внешней пышности и красоте композиций как и в .

Ампирная мода

Формирование ампирной моды началось еще в дореволюционной Франции, а популяризация и активное развитие наблюдалось при Бонапарте. Ампир характеризовался повышенным интересом к идеалам античной эпохи. После 20-х годов 19-го столетия ампир в модных тенденциях плавно перешел в новый .

Особенности стиля в одежде

Законодательницами женской моды в Париже были:

• Жозефина Богарне.
• Тереза Тальен.
• Мадмуазель Ланж.

Благодаря Терезе Тальен в моду вошли платья в ампирном стиле, которые открывали для посторонних глаз женские ноги от элегантных туфелек и до самых ягодиц. Такая мода получила характерное название «аля-соваж», что в переводе с французского означает «нагая».

Популяризацией этого движения в Англии занималась Эмма Гамильтон – любовница адмирала Британии Нельсона Горацио.

После того как Наполеон взошел на имперский престол, дамские наряды стали более закрытыми, но общий силуэт платья сохранился. В эпоху наполеоновской империи появились громоздкие античные орнаменты, бархат, тяжелый шелк, а длинные шлейфы украшались рельефами золотого шитья. Идея золотого шитья на дамских нарядах была разработана в координации императора.

В пошиве платьев использовались хлопчатобумажные и льняные материалы: батист, фуляр, тюль, муслин, креп, кисея или кружево.

Свидетельством высокого положения в обществе были платья светлых цветов. В это время освоили технику отбеливания тканевых материалов.

Женские платья по внешнему виду напоминали рубахи. Над высокой талией под самой грудью красовался пояс в виде широкой ленты. Руки и шея оставались открытыми. Низ платья расшивался узорами из серебряных и золотых нитей, пестрил блесками, синелью и пайетками. Платья для танцев и визитов дополняли буфы на коротких рукавах.

Под наряды, походившие на туники, надевали трико или рубашку телесного цвета (шмиз). Сквозь тонки материи хорошо просматривались упругие женские формы. Ткань иногда смачивали водой, чтобы она соприкасалась с телом. Широкое декольте максимально глубоко открывало шею и грудь.

Глубокий вырез было принято прикрывать, если женщина выходила на улицу. Поверх тонких нарядов надевалось манто с кружевами, застегивающееся спереди одним крючком. В холодное время года использовались рединготы (шерстяное пальто) и спенсеры (теплый короткий жакет).

Неотъемлемым и дорогостоящим аксессуаром была шаль с разноцветными кистями. Декольте прикрывали треугольной или сложенной пополам прямоугольной прозрачной косынкой (фишю). Боа из густых перьев, а также короткие меховые шарфы наблюдались в нарядах замужних женщин.

Носились чулки с декоративной вышивкой (листы дуба и лавра) и стрелками из серебряных нитей. На руки надевали длинные перчатки светлого оттенка (выше локтя).

Обувь шили на плоской подошве, в форме “лодочки” с длинными носами. Для изготовления дамских туфель использовали атлас (голубой, белый или розовый), а также ленты, которые по примеру античных образов обвязывали вокруг ног.

Мужская одежда в стиле ампир особыми излишествами не отличалась. Костюм изготавливался преимущественно в темном цвете и состоял из фрака с воротничком-стойкой, жилета, белой рубашки и светлых панталон. Значительную популярность получили рединготы, высокие шляпы, а также сюртуки.

Особенности стиля в прическах

В своих прическах модницы ампирского стиля подражали греческим и римским образцам – высоко собранные волосы заплетались в косы (также использовалась специальная сеточка). «Узел Психеи» красовался на затылке и представлял собой незамысловатый пучок. Гладкие прически украшались цветами и красочными лентами, а также разделялись пробором. В моду вошли шиньоны, а лоб прелестных дам скрывался под завитой челкой. Дополнительными украшениями для головы служили обручи, диадемы или фероньерки. Особенно популярны были венки из лавровых или дубовых листьев, колосьев и живых цветов.

Особенности королевского стиля

Выводы

Ампир стал переходным этапом от ренессансной к эклектики. В этот период наблюдаются значительные трансформации женских нарядов, которые открывали тело и выставляли напоказ упругие формы. Ампирский стиль затронул область архитектуры и монументального искусства – возводились новые здания, характерной чертой которых было объединение нескольких исторических стилей в общей композиции.

Современные дизайнеры используют за основу идеи гениальных творцов эпохи ампира, создавая уникальные интерьеры в жилых помещениях и зданиях коммерческого направления.

Сущность этого стиля выражена уже в самом его названии: ампир - от французского "empire", империя. Заказчик стремился окружить себя блеском и пышностью, какие окружали некогда римских императоров. Заказчик этого интерьера уже много лет живет жизнью сибарита. За годы уже много прошло модных интерьеров, но в силу своей ментальности и стиля жизни он уже давно тяготел к Величественным и спокойным интерьерам, где все говорит за хозяина квартиры о его статусе

Освоение пространств квартиры носит характер прямого следования канонам стиля. Поверхности стен, потолков, ниш, пола и предметов корпусной мебели снова начинают обрабатываться колонками, пилястрами, карнизами. В оформлении Стен и потолков появляются декоративные мотивы: кариатиды, античные элементы, росписи.

В интерьерах ампира царят покой, упорядоченность, полная уравновешенность частей и строгая симметрия. Полы настилаются паркетом, составленным из цветных пород дерева. Потолки окрашиваются в белый цвет и либо отделываются по углам простым декором, либо расписываются. Стены иногда затягиваются тканями, драпированными на манер античных одежд, либо оклеиваются обоями со строгим рисунком. Экономно введенные в колорит интерьеров светлые тона и пятна позолоченной бронзы несколько смягчают строгость линий и суровость белого цвета.

Наверно и нам не стоит много рассказывать о сложности проекта и предоставить зрителю посмотреть фотографии интерьеров.

Стили в архитектуре / Ампир / Ампир в архитектуре и интерьере

Ампир - это стиль архитектуры и интерьера, который является своеобразным отражением римской классики в сочетании с египетскими мотивами. В переводе с латинского «imperium» обозначает - командование, власть, а в переводе с французского, ампир «empire» - империя.

Ампир появился в начале 19 века во Франции благодаря живописцу Ж.-Л. Давиду. Для своих картин, в которых он восхвалял великого императора и его империю, он делал особую мебель на заказ, что весьма пришлось по душе Наполеону и его свите.

Расцвет ампира наблюдался во Франции после буржуазной революции. Вдохновленные идеями Давида архитекторы Шарль Персье и Пьер Фонтен выполняли в этом стиле дворцы и усадьбы Наполеона I (Мальмезон, Фонтенбло, Версаль, Лувр и Тюильри). Этим пафосным, роскошным стилем Наполеон пытался показать не только величие римской империи, но и провести таким образом параллель со своим правлением во французских владениях.

После отечественной войны 1812 года ампир появился в России. Он ассоциировался с богатством и шиком дворянского сословия, поскольку требовал самых дорогих и красивых материалов. Так, мебель обычно исполнялась на заказ из красного дерева либо ореха. Позже в России стали использовать карельскую березу. Это было связано с запретом ввоза в страну красного дерева. Паркет из карельской березы очень ценился, поскольку благодаря разнообразной цветовой гамме дерева, художники могли создавать на полах необыкновенно красивые узорные композиции.

Мебель в стиле ампер отличалась функциональностью, удобством и изяществом. Часто использовалась раскладная мебель. Обеденный столик, рассчитанный на четверых, через минуту превращался в огромный обеденный стол для приема гостей. Конструкции табуретов были настолько замысловаты, что из них можно было сделать мольберт. Стулья и диваны повторяли форму человеческого тела, поражая своим удобством и изысканностью. Выпуклость спинки плавно переходила в ножку. Ножки часто делали в виде лап животных или птиц. Проектируя и создавая обстановку богатых домов, дворцов и усадеб, архитекторы стремились достичь единства стиля. Рисунок обивки мебели, стены, элементы интерьера, паркет и отделка потолка - все сочеталось и гармонировало между собой. Попав в Россию, этот стиль стал похож в большей степени на римский классицизм, нежели на «наполеоновский» ампир.

Французский ампир несколько отличался от классицизма. Особенно сильно это было заметно в цветовой гамме. В классицизме преобладают сложные гармоничные сочетания цветов, в ампире - яркие цвета наполеоновского флага: красный, синий и белый. Попадая в разные страны и города, этот стиль преобразовывался, подстраивался под местные правила и нравы. Ампир, который дошел до нашего времени тоже сильно изменился, скорее даже упростился, получив иное название - бидермеер (его называют ампиром в духе интимности и домашнего уюта). Цвета стали более гармоничными, величие, которое давали золотые элементы интерьера, ушли на второй план. В наше время их сменили детали из бронзы и накладки, сделанные под золото. Не изменились формы и используемые породы дерева. Элементами мебели и интерьера до сих пор служат колонны, музыкальные инструменты (например, арфы), вьющиеся растения.

Стили в архитектуре / Ампир / Ампир

Название произошло от французского empire -- имперский. Стиль, возникший во Франции на рубеже XVIII-XIX вв. Является органическим завершением длительного развития европейского классицизма. Основная особенность данного стиля -- сочетание массивных простых геометрических форм с предметами военной эмблематики. Его источником является римская скульптура, от неё А. унаследовал торжественную суровость и четкость композиции.

А. первоначально сложился во Франции на рубеже XVIII-XIX вв. в эпоху Великой Французской революции и отличался ярко выраженным гражданским пафосом. В период империи Наполеона искусство должно было прославлять военные успехи и достоинства правителя. Отсюда происходит увлечение строительством различного рода триумфальных арок, памятных колонн, обелисков. Важными элементами декоративного убранства зданий становятся портики. В отделке интерьеров часто используются бронзовое литье, роспись плафонов, альковов.

А. стремился приблизиться к античности больше, чем классицизм. В XVIII в. Архитектор Б. Виньон построил церковь Ла Мадлен по образцу римского периптера, используя коринфский ордер. Трактовка форм отличалась сухостью и подчеркнутым рационализмом. Те же черты характеризуют и Триумфальную арку (арку Звезды) на площади Звезды в Париже (архитектор Шальгрен). Возведенная Лепером и Гондуэном мемориальная Вандомская колонна (колонна "Великой армии") покрыта листами бронзы, перелитой из австрийских орудий. Идущий по спирали барельеф изображает события победоносной войны.

Стиль А. развивался недолго, ему на смену приходит время эклетики.

Эклектика

Соединение разностилевых э лементов. Эклектика прочно заняла свое место в современной жизни. Эклектика соединяет детали, почерпнутые из различных источников, выгодно обыгрывая и подчеркивая их за счет друг друга. Секрет эклектики заключается в ограничении двумя-тремя стилями и объединении их за счет фактуры, цвета и тд.

Эклектика (от греч. ekiektikos -- способный выбирать, выбирающий) - соединение разнородных художественных элементов; обычно имеет место в периоды упадка искусства. Элементы эклектизма заметны, например, в позднем древне-римском искусстве, комбинировавшем формы, заимствованные из искусства Греции, Египта, Передней Азии и др. К эклектизму тяготели представители болонской школы, которые полагали, что смогут достичь совершенства, соединяя лучшие, по их мнению, стороны творчества великих мастеров Возрождения.

В истории искусства наиболее заметное место занимает эклектизм архитектуры середины--2-й половины 19 в., чрезвычайно широко и зачастую некритически использовавшей формы различных исторических стилей (готики, ренессанса, барокко, рококо и др.); характерно, однако, что этот архитектурный и оформительский эклектизм с его "свободои выбора" архитектурных и орнаментальных мотивов оказал значительное влияние на становление целостного в своей сущности, но питающегося из самых разнообразных источников стиля "модерн".

В сфере изобразительного искусства эклектизм наиболее типичен для салонного искусства. Широкое расппостранение эклектических тенденции получили в западно-европейской и американской культуре с середины 20 в. в связи со становлением постмодернизма и модой на "ретроспективизм" художественного оформления, копирующий те или иные стилистические направления прошлого (в том числе и эклектизм 19 в.).

В московской архитектуре второй половины XIX в. наряду с «русско-византийским стилем» в крупнейших государственных и церковных постройках и «русским стилем» в общественных сооружениях, призванных выразить возрождение национальной культуры, во многих зданиях (в том числе совершенно нового типа, таких, как вокзалы, банки, торговые, конторские здания, крупные доходные дома) использовались элементы «европейских», так называемых «исторических», стилей (неоренессанс, необарокко, неорококо, неоготика). Несмотря на «многостилье», эклектика тяготела к созданию больших городских ансамблей в «русском» или «европейском» стилях (Красная и Лубянская площади, застройка Китай-города). Современный облик исторической части Москвы во многом сформирован эклектикой, основные принципы которой соответствовали требованиям укрупнившегося масштаба застройки. «Фасадная» архитектура эклектики, несмотря на некоторую дробность и монотонную повторяемость деталей, придала фронтальной поверхности зданий большую рельефность и живописность, в ней активно использованы рустовка, формы ордерного декора, богато украшенные наличники, тонко проработанная декоративная лепнина, стукковая скульптура, рельефы и статуи, в том числе фигуры атлантов и кариатид; появление эркеров внесло в структуру декора сильные пластические акценты. Большое внимание уделялось градостроительной роли крупных зданий, выразительности их силуэта, который заканчивался эффектными, издалека заметными куполами или островерхими покрытиями с гребнями. Характерной особенностью застройки Москвы 1870--90-х гг. стало появление монументальных, представительных, нередко перегруженных декором, иногда причудливых и вычурных по своим формам зданий, тем не менее достаточно органично «вошедших» в структуру города (Государственный банк на Неглинной улице, архитектор К.М. Быковский, 1893--95; Международный торговый банк на Кузнецком мосту, архитектор С.С. Эйбушитц, 1898; Сандуновские бани, архитектор Б.В. Фрейденберг, 1894--95). Для общественных зданий и особняков эклектики характерна отделка интерьеров в различных «исторических стилях» (классицизирующих, неоготическом, «мавританском» и др.).

Конструктивизм

Направление в русском (СССР) искусстве 1920-х гг. (в архитектуре, оформительском, и театрально-декорационном искусстве, плакате, искусстве книги, художественном конструировании, дизайне). Сторонники конструктивизма, выдвинув задачу "конструирования" окружающей среды, активно направляющей жизненные процессы, стремились осмыслить формообразующие возможности новой техники, её логичных, целесообразных конструкций, а также эстетические возможности таких материалов, как металл, стекло, дерево. Показной роскоши конструктивисты стремились противопоставить простоту и подчёркнутый утилитаризм новых предметных форм, в чём они видели овеществление демократичности и новых отношений между людьми. В архитектуре принципы конструктивизма были сформулированы в теоретических выступлениях А. А. Веснина и М. Я. Гинзбурга. Весниными проекте Дворца труда для Москвы (1923) с его чётким, рациональным планом и выявленной во внешнем облике конструктивной основой здания (железо-бетонный каркас). В 1924 была создана творческая организация конструктивистов--ОСА, представители которой разработали так называемый функциональный метод проектирования, основанный на научном анализе особенностей функционирования зданий, сооружений, градостроительных комплексов.

Наряду с другими группами советских архитекторов конструктивисты (братья Веснины, Гинзбург, И. А. Голосов, И. И. Леонидов, А. С. Никольский, М. О. Барщ, В. Н. Владимиров и др.) вели поиски новых принципов планировки населённых мест, выдвигали проекты переустройства быта, разрабатывали новые типы общественных зданий (Дворцы труда, Дома советов, рабочие клубы, фабрики-кухни и т. д.). Вместе с тем в своей теоретической и практической деятельности конструктивисты допустили ряд ошибок (отношение к квартире как к "материальной форме", схематизм в организации быта в некрых проектах домов-коммун, недоучёт природноклиматических условий, недооценка роли крупных городов под влиянием идей дезурбанизма).

Эстетика конструктивизма во многом способствовала становлению современного художественного конструирования. На ] основе разработок конструктивистов (А. М. Родченко, А. М. Гана и других) создавались удобные в пользовании и рассчитанные на массовое производство новые типы посуды, арматуры, мебели; художники разрабатывали рисунки для тканей (В. Ф. Степанова, Л. С. Попова) и практичные модели рабочей одежды (Степанова, В. Е. Татлин). Конструктивизм сыграл заметную роль в развитии плакатной графики (фотомонтажи братьев Стенбергов, Г. Г. Клуциса, Родченко) и конструирования книги (использование выразительных возможностей шрифта и других наборных элементов в работах Гана, Л. М. Лисицкого и др.). В театре традиционные декорации конструктивисты заменяли подчинёнными задачам сценического действия "станками" для работы актёров (работы Поповой, А. А. Веснина и др. над постановками В. Э. Мейерхольда, А. Я. Таирова).

Некоторые идеи конструктивизма были воплощены в западно-европейском (В. Баумейстер, О. Шлеммер и др.) изобразительном искусстве. Применительно к зарубежному искусству термин "конструктивизм" в значительной мере условен: в архитектуре он обозначает течение внутри функционализма, стремившееся подчеркнуть экспрессию современных конструкций, в живописи и скульптуре--одно из направлений авангардизма, использовавшее некоторые формальные поиски раннего конструктивизма (скульпторы И. Габо, А. Певзнер).

Модернизм

Модерн родился на рубеже веков в европейской архитектуре как движение за создание стиля своей эпохи.

Со второй половины XIX века по мере широкого использования новых строительных материалов, в первую очередь железобетона и стекла, развития инженерного дела, значение архитектурного творчества сало падать. Возникло разделение труда инженеров и архитекторов. К инженерам-строителям отошла значительная часть строительства зданий. За архитекторами осталась функция преимущественно оформительского приложения к победно шагавшей строительной технике. Архитекторы занимались в основном, декорированием сооружений, сконструированных инженерами без особых мыслей о целостности композиции. В архитектуре царило засилье эклектики и украшательства.

В 90-х годах прошлого века модерн определился как архитектурный стиль. Он явился средством преодоления эклектизма, овладевшего европейской архитектурой. Модерн преследовал цель создания нового универсального синтетического стиля. Великие мастера модерна в одном произведениисоединяли в сказочном организме архитектуру, пластику, живопись, декоративно-прикладное искусство.

Модерн возник в противовес рационализму XIX века. С появлением в строительстве чугуна и стали в общественных, а затемв промышленных и жилых зданиях стала формироваться новая номенклатура типов зданий, исходя из их функционального назначения: универсамы, общественные библиотеки и др. Жилые здания проектируются, исходя из их функционального зонирования. Рационализм развивался как бы изнутри. Функция определяла форму, форма следовала за функцией.

Уже к 70-м годам XIX века утвердилось мнение, что рационализм не совсем архитектурно-художественное течение, а скорее инженерное дело. В архитектуре стиль модерн расцвел бурно и пышно. Он окрасил собой целый период истории архитектуры в конце прошлого века и вошел глубоким массивом вглубь нашего столетия. Это течение известно под названиями: "стиль модерн" в России,"ар-нуво" в Бельгии и Франции, "сецессион" в Австро-Венгрии, "югендштиль" в Германии, "стиль Альберти" в Италии, "модерн стайл" в Великобритании, "стиль Тиффани" в США и т.д.

"Стиль модерн" развивается главным образом в архитектуре городских особняков и дорогих многоквартирных зданий, загородных вилл и дач. Архитекторы модерна при формировании планов и композиции зданий смело шли на применение асимметричных решений в группировке объемов и расположении оконных и дверных проемов. Здесь, в среде частной жизни весьма состоятельного заказчика, воображение архитектора обретает материальную опору и свободу творчества. Формы окон, дверей, лестниц становятся разнообразными чуть ли не до бесконечности. Декоративное убранство фасадов, а особенно интерьеров достигает невероятной изощренности. Огромное значение придается в нем выразительности текучих ритмов, цвета и фактуры узорной поливной керамической облицовки, кованного чугунного железа, оконных и дверных витражей. Витражи модерна уже не абстрактны, как готические, а несут в себе бионические природные формы.

Для модерна характерны силуэты и орнаменты, стилизующие в плавных, легко изгибающихся линиях формы растений и водяных раковин. Фасады отличались округлыми, иногда фантастически выгнутыми контурами проемов, использованием решеток из кованого металла и глазурованной керамики сдержанного по тону цвета: зеленого, лилового, розового, серого. В зодчестве распространились плакучие, мягкие, словно бы самообразующиеся формы, в декоративном творчестве - стелющийся по поверхности, разрастающийся, обволакивающий стилизованный орнамент. Ряд орнаментальных мотивов модерна был позаимствован из искусства Дальнего Востока, прежде всего Японии. Мотивы эти получили впоследствии большое распространение.

В модерне широко применялись как железобетон (теория расчетов которого появилась как раз в этот период), таки металл как конструктивно-декоративный элемент. Широко использовалось стекло в металлоконструкциях. Появление этих строительных материалов воздействовало на творческое сознание архитекторов и строителей. Они подсказывали необычные конструктивно-архитектурные решения, их развитие шло вразрез с укоренившимся в практике эклектизмом. Модерн пытается переосмыслить железобетон как новый строительный материал эстетически, а не как новое подсобное средство в строительстве.

Большую роль в формировании интерьеров стиля модерн сыграло появление электричества в 1900 году. Искусственное электрическое освещение оказало влияние на цветовидение интерьеров. Витражи, подсвеченные изнутри, придавали зданиям неповторимую привлекательность, а интерьерам - выразительность.

Несомненное завоевание модерна - целостный подход к оформлению отдельных помещений, стремление к ансамблевому их решению. Особый интерес модерн проявил к оформлению оконных проемов со специфическим рисунком переплетов и заполнявшими их витражами. Он активно применял поливные изразцы в облицовке отдельных вставок на поверхности стен и в оформлении оконных проемов. Одну из главных ролей в оформлении фасадов, оконных и дверных проемов играл плоский гипсовый лепной орнамент. В рисунках витражей в качестве орнаментальных мотивов использовались цветы - ирисы, маки, различные травы, а также лилии и другие водные растения с длинными тянущимися стеблями. Использовался и геометрический орнамент, в том числе мотив меандра в специфической, характерной для модерна прорисовке.

Большие технологические и художественные возможности были открыты в сфере стекла. В Лотарингии возникла Школа Нанси во главе с Э. Галле, культивировавшая сложную колористическую гамму цветов и фактур.

Модерн трактует стену не только как конструктивный и статичный по определению элемент. В эпоху модерна были заложены тенденции приближающегося к скульптуре выражения пластики стены в архитектурном объеме. Окна стали органичным выражением стиля. Впервые оконные и арочные проемы, их заполнения и декор становятся одинаково важной составляющей стиля как для фасада, так и в интерьере зданий.

Стены помещений окрашивались в пастельные тона - сиреневатые, зеленоватые, жемчужно-серые. С ними тонко сочеталась мебель новых форм. В мебели и гарнитурах преобладают тянутые, вялые волнистые очертания. Использовались и иные, чем ранее, породы дерева, в частности очень распространенным был серый дымчатый клен. Иногда в интерьеры вводилась облицовка нижних частей стен в виде панелей, которая выполнялась из тех же пород, что и мебель. Обивочные ткани чаще всего выпускались блеклых смягченных тонов с крупными стилизованными цветами, соединяющимися с разводами криволинейного рисунка. При внешней и внутренней облицовке зданий использовались керамика и майолика.

Родоначальником модерна считают бельгийского художника-архитектора Виктора Орта. Тип нового здания, возникший во времена формирования модерна как стиля, - универсальный магазин - наиболее интересен. Он требовал применения больших остекленных поверхностей. Новаторским с этой точки зрения можно назвать магазин "Инновассион", построенный Орта в Брюсселе в 1901 году. Сплошь остекленный, с металлическими переплетами, фасад этого здания освещал общий торговый зал первого этажа, торговые галереи верхних этажей и объединяющую лестницу.

Знаменитый дом Эмиля Тасселя (1892-1893), профессора Брюссельского университета, стал своеобразным манифестом нового стиля. В этом же стиле были построены еще два особняка - Эйтвельд и Сольвейг. Современников, которые совершали специальное паломничествов Брюссель для знакомства с творчеством Орта, поражали безордерность фасада особняка Тасселя, металлические переплеты больших окон эркера, как бы слившиеся с фасадом. Орта показал себя мастером интерьера. Он радикально меняет внутреннее пространство - открывает его, заменяя перегородки хорошо выполненными металлическими конструкциями. Комбинируя стекло и металл так, что образуются как бы прозрачные пленки, он достигает того, что свет проникает повсюду и лестничная клетка превращается в озаренный центр жилого помещения. Комнаты особняка залиты светом - Орта отвел половину площади первого этажа особняка со стороны двора под зимний сад, а непроходные комнаты верхних этажей расположил вокруг центрального холла и внутренней лестницы, освещенной стеклянным световым фонарем. Виктор Орта не только стремился использовать металл и стекло, но и, выявляя их органические качества, придать им новую архитектурно-художественную выразительность. На фасаде, который иначе выглядел бы почти классическим, каменные углы железных оконных "фонарей" выполнены так, чтобы подчеркнуть наличие внутреннего металлического каркаса. Он искал и нашел новый стиль, который по существу стал выражением материального благополучия нарождающегося класса буржуазии, индивидуальности и утонченности.

В особняке Тассель Орта впервые применил линию, названную "удар бича". Она явилась образным выражением напряжения металла, воплощением нервного, напряженного духа эпохи, его эмблемой. Изящество ее изгиба стало образцом графического искусства и стилизации в окнах и витражах зданий стиля модерн.

В Германии новый стиль распространился несколько позже, чем в других странах Европы. Он получил название "югендстиль" ("Югенд" - художественный журнал, вокруг которого группировались сторонники этого течения).

Программной постройкой немецкого модерна можно по праву считать фотоателье "Эльвира" (1897-1898) архитектора Августа Энделя.

Как и в других странах, с появлением железобетона получило развитие строительство крытых рынков, выставочных павильонов, залов для празднеств. Были созданы оригинальные пространственные решения фасадов и интерьеров с широким применением стекла и металла.

Наиболее интересным в этом отношении является немецкий архитектор Бруно Таут (1880-1938). Его "Железный дом" - выставочный павильон -был сооружен на строительной выставке в Лейпциге в 1913 году, в виде поставленных друг на друга, постепенно уменьшающихся объемов, увенчанных куполом. Каждая грань павильона отделена широкой полосой металла и со стороны воспринималась, как гигантская остекленная клетка. Другой павильон, сооруженный Таутом для выставки Веркбунда в Кельне и получивший название "Стеклянный дом", представлял собой прозрачный двенадцатигранный объем с большим куполом, состоящим из стеклянных пластин ромбовидной формы.

В творчестве архитектора Ганса Пельцига (1869-1936) заметна подчеркнутая экспрессивность. Это вертикали больших окон в построенном им конторском здании (1911) в Бреслау, ритмически разнообразные по размеру и очертаниямокна промышленной химической фабрики в Леобане, близ Познани.

Архитектурное течение ар-нуво внесло в архитектуру Франции свежую струю поиска и, что было особенно существенным, оказалось первым стилистическим течением, порвавшим с подражательскими стилями. Первый салон под название "Ар-нуво" открылся в Париже в 1895 г. Здесь соседствовали живопись и скульптура (Роден), прикладное искусство, стекло Галле и Тиффани, ювелирные изделия Лолика, графика Бодслея, Брэдли, Макинтоша.

Главным представителем модерна в архитектуре Франции был Гектор Гимар.В 1899 году он получил заказ на строительство станций парижского метрополитена. В этих необыкновенно легких, повторяющих органические формы павильонах из стекла и металла, сочетание конструктивных и декоративных элементов было особенно удачным.

Стиль модерн оказал свое влияние также на строительство Венского метрополитена. Отто Вагнер, выразитель идей "сецессиона", руководитель кафедры архитектуры в Академии пластических искусств, стремился к созданию нового стиля, который избавился бы от повторений прошлого и был созвучен времени. Станции метро, спроектированные и построенные Вагнером, отличаются простотой и чистотой линий модерна, изящно очерченными линиями оконных и дверных проемов, большими плоскостями остекления, использованием металла.

При обращении к модерну, расхожая фраза - "окна - глаза зданий" - приобретает особый смысл. Причудливые окна и витражи модерна смотрят на мир загадочным взглядом экзотической красавицы.

Антонио Гауди-и-Корнет - самый необычный и своеобразный архитектор стиля модерн. Средитечений модерна его творчество было настолько обособлено, что его выделили особым названием - "антониогаунд".Его творчество, пожалуй, одно из самых противоречивых явлений в европейской архитектуре. Своеобразие стиля знаменитого испанца в том, что появившийся железобетон он использовал для имитациив своих сооружениях сложных органических форм природы, подражая сложным конфигурациям и линиям, свойственным скалам, деревьям, раковин. Окна плавно очерченных линий несмело выглядывают из-под железобетонных "надбровий", увитых сложными лепными украшениями. Одно из самых известных построек Гауди - дом Мила, в народе прозванный "Ла Педрера", что означало "каменный". Этот, расположенный на угловом участке, шестиэтажный доходный дом напоминает огромную скалу, его оконные и дверные проемы похожи на гроты, а металлические детали балконных ограждений - на причудливые вьющиеся растения.

Творцы модерна свободно прибегают к асимметричным формам и композициям. Оконные и дверные проемы их заполнения причудливыми изгибами органично вплетаются в живую пластику зданий нового стиля.

Модерн был не только элитарным явлением. Он стал зачинателем массовой культуры. Если рационализм получил широкое распространениеза 50 лет, то семена модерна разлетелись по миру буквально за одну неделю благодаря появлению ротационных машин и, как следствие, массовому распространению печатной продукции - газет и журналов, развозимых поездами. Модерн господствовал в архитектуре 20-25 лет и получил продолжение в функционализме и экспрессионизме.

Японский стиль по свидетельству дизайнеров, самый востребованный сейчас этностиль. Это минималистско-декоративный стиль, в котором ничто не перегружает внимание, пространство структурировано спокойно и внятно. В территориально небольшой, переселенной стране особо ценится пространство, почему и внутреннее устройство помещений сводит к минимум мебель и прочие привычные атрибуты дома, с тем чтобы компенсировать его дефицит. У японцев особое отношение к природе, поэтому японский стиль ассоциируется с природными цветами, преимущественно в светлой гамме: оттенки бежевого, белый, кремовый, молочный. Сдержанные светлые тона характерны и для японской мебели, поверхность мебели и стен гладкая, нефактурная. Ткани тоже кремовые и белые, преимущественно натуральные: хлопок и шелк. В стране восходящего солнца место для отдыха располагается в центре комнаты. Типичная деталь - японская раздвижная стенка, и конечно, бамбуковая мебель. Иероглефы - почти неизбежный атрибут оформления жилья "под Японию. "В таком интерьере прекрасно вписывается скромная невысокая мебель, диванчики и столы разной высоты.

Во всех европейских государствах можно найти примеры ампира в архитектуре и скульптуре.

Лучшие примеры ампира во Франции

Церковь Мадлен в Париже – самый яркий пример стиля ампир не только во Франции, но и во всей Европе. Здание характеризуется преобладанием прямолинейных очертаний и массивных геометрических объемов. Церковь Мадлен отличается античными формами, которые были излюбленным приемом для мастеров эпохи Наполеона.

Лучшие ампирные традиции можно найти и в сооружении Мальмезон, которое служило резиденцией для Наполеона Бонапарта и Жозефины Богарне.

К примечательным архитектурным памятникам того времени стоит отнести Триумфальную арку на площади Карузель в Париже, над возведением которой работали архитекторы Шарль Персье и Пьер Фонтен. Все располагались упорядочено, с соблюдением симметрии и равновесия.

Яркие примеры ампира в России

Яркие примеры ампира в архитектуре можно найти и в России. Известным архитектором был Карл Иванович Росси.

Он является автором таких произведений архитектурного искусства, как арка Главного штаба, ансамбль Дворцовой площади, Площадь Искусств, здание Сената и Синода, знаменитая улица Зодчего Росси. Этот мастер также возводил дворцы и замки для императорской семьи.

В Санкт-Петербурге до наших дней остались еще такие примеры стиля ампира в архитектуре, как Казанский собор и здание Адмиралтейства, Спасо-Преображенский и Троицкий соборы, площадь Островского.

Кафедральный Исаакиевский собор – один из самых значимых памятников архитектуры эпохи ампира в России. Сооружение было возведено по проекту О. Монферрана, архитектора родом из Франции.

В нем использованы все геометрические формы – куб, квадрат, треугольник, цилиндр, параболический купол. Все эти элементы придают храму монументальности и имперской вековой незыблемости. Собор отличается богатым наружным декором и красочным интерьером.

В Москве известны такие сооружения в ампирном стиле – Арка Главного входа ВСХВ, Министерство иностранных дел, главное здание МГУ.

Министерство иностранных дел состоит из 27 этажей, высота здания – 172 м. Фасад сооружения декорирован керамическими блоками, цоколь отделан красным гранитом.

Все возведения, выполнены в ампирном стиле, свидетельствуют о величественности и помпезности этой исторической эпохи.

Описание презентации ИСТОРИЯ ИСКУССТВА ЕВРОПА. 19 век. АМПИР по слайдам

АМПИР Амп рии (от фр. empire style - «имперский стиль») - стиль позднего классицизма в архитектуре и прикладном искусстве. Возник во Франции в период правления императора Наполеона I; развивался в течение трёх первых десятилетий XIX века; сменился эклектическими течениями. Включил образцы античного искусства: архаической Греции и имперского Рима: военную эмблематику в архитектурных деталях и декоре (воинские доспехи, лавровые венки, орлы и т. п.). Ампир включил в себя также отдельные древнеегипетские архитектурные и пластические мотивы (большие нерасчленённые плоскости стен и пилонов, массивные геометрические объёмы, египетский орнамент, стилизованные сфинксы).

Ампир Ампир коренным образом отличается от Классицизма. Мягкую и светлую гармонию искусства периода Людовика XVI и демократическую строгость стиля Директории сменили парадный пафос и театральное великолепие «Стиля Первой Империи» . Наполеон стремился к блеску и ореолу славы римских императоров. Если свободно возникший Классицизм был ориентирован на демократические Афины периода классики Века Перикла, то художникам французской Империи было строго указано брать за образец формы искусства Древнего Рима. Ведущая роль в формировании нового стиля принадлежала не архитектору, как обычно, а живописцу -Ж. -Л. Давиду. Еще накануне революции этот художник в картинах «Клятва Горациев» (1784), «Брут» (1789) прославлял героические эпизоды из истории республиканского Рима, по мотивам книг Тита Ливия. Для работы над этими картинами, Давид заказал известному парижскому мебельщику Ж. Жакобу предметы обстановки по собственным рисункам, сделанным им с этрусских, как их тогда называли, ваз, найденных в раскопках Геркуланума и Помпеи в Италии. Давид участвовал в первой французской революции, затем, пережив тяжелый кризис, стал прославлять императора Наполеона так же, как до этого — идеалы свободы римской республики.

Ампир: архитектура Триумфальная арка (фр. arc de triomphe de l’Étoile) - монумент в 8 -м округе Парижа на площади Шарля де Голля (Звезды), возведённый в 1806- 1836 годах архитектором Жаном Шальгреном по распоряжению Наполеона в ознаменование побед его Великой армии.

Битва при Арколе - сражение французской армии под командованием генерала Наполеона Бонапарта с австрийской армией под командованием Альвинци происходившая с 15 по 17 ноября 1796 года. Битва закончилась разгромом австрийской армии. Во время битвы Наполеон выказал личный героизм, возглавив одну из атак на Аркольский мост со знаменем в руках. Вокруг него погибло больше десятка солдат, включая адъютанта Наполеона Мюирона, погибшего, прикрывая Бонапарта своим телом от вражеских пуль.

Египетский поход Бонапарта Гро Жан Антуан (1771- 1835) Наполеон в госпитале чумных в Яффе. 1803- 04.

Египетский поход Бонапарта В 1798- 1801 годах по инициативе и под непосредственным руководством Наполеона Бонапарта была сделана попытка завоевания Египта. египетская экспедиция Наполеона привела к росту интереса к древней истории Египта. В результате экспедиции было собрано и вывезено в Европу огромное количество памятников истории. В 1798 году был создан Институт Египта (фр. L’Institut d’Égypte), который положил начало масштабному разграблению наследия древнего Египта. Розеттский камень. Британский муей.

Жан-Луи Давид. Портрет мадам Рекамье (известная красавица, хозяйка знаменитого литературно-политического салона, который в то время был интеллектуальным центром Парижа. Её имя стало символом, олицетворявшим хороший вкус и образованность. Она была «звездой» европейского масштаба).

Андромаха у тела Гектора. 1783. Музей Лувр, Париж Сюжет этой картины восходит к «Илиаде» Гомера: Гектор, доблестный предводитель троянцев, был сражен в поединке Ахиллом и оплакан верной женой Андромахой. Общественно-политический смысл этого произведения очевиден. Андромаха театральным жестом указывает на тело героя, отдавшего жизнь за родной город. Культ отчизны во французском обществе предреволюционной поры противопоставлялся идее служения королевской власти. Произведение отличается ясностью и простотой композиции, светотеневая лепка полновесна и отчетлива. Большое внимание уделено Давидом исторической достоверности изображаемой среды. Андромаха, супруга Гектора - дочь царя Цетиона в мизийском городе Фивах и супруга Гектора, принадлежит к благороднейшим женским образам Гомеровой «Илиады» . Еще во время ранней ее молодости отец и семь братьев были убиты Ахиллом. Выйдя потом за Гектора, Андромаха родила ему Астианакса и привязалась к своему мужу самою горячею любовью, трогательными памятниками которой остались ее разговор с ним перед отправлением Гектора на битву с Ахиллом, равно как ее плач об убитом (Илиада 6 и 24). После завоевания Трои Андромаха была отдана в добычу сыну Ахилла, Пирру, который увез ее с собою в Эпир, и где она родила ему сына (а по другим сказаниям - трех сыновей). Впоследствии Андромаха стала супругой Элена, брата Гектора, и родила ему сына Кестрина. После смерти Элена Андромаха вместе с одним из своих сыновей возвратилась в Мизию, где этот сын приобрел область Тейеранию и дал свое имя основанному им городу Пергаму. В честь Андромахи был там сооружен храм. Еврипид использовал образ Андромахи в качестве героини одноименной трагедии.

Жан-Луи Давид. Клятва Горациев 1784. Музей Лувр, Париж. Художнику удалось создать образ-символ - олицетворение безграничного гражданского мужества. В основе картины лежит рассказ римского историка Тита Ливия, согласно которому трое братьев из рода Горациев были выбраны, чтобы сразиться с тремя лучшими воинами враждебного Риму города Альба-Лонга - братьями Куриациями. Давид запечатлел момент, когда трое братьев, подняв руки в римском приветствии, клянутся победить или умереть, а их отец протягивает им боевые мечи. Давид в этой картине противопоставляет идеалы патриотизма, гражданственности и самопожертвования во имя родины мужчин страданиям и сентиментальной слабости женщин.

Жан-Луи Давид. Клятва на поле для игры в мяч. Эскиз. 1789 (символ национального единства в борьбе против старого режима).

Ампир: общая характеристика Имперская роскошь ампира Стиль ампир (или имперский) переживал эпоху своего расцвета в начале XIX века, во время правления Наполеона I. Его прародителем считается архитектура великих империй древности – Египта, древней Греции и Древнего Рима с их неизменным стремлением обнародовать мощь и силу государства, и подчеркнуть величие и мудрость правителя. Монументальные формы, тяжеловесная массивная мебель, обилие лепнины, деревянной резьбы и позолоты говорили о роскоши, а классическая строгость подчеркивала утонченный вкус. Парадный и торжественный стиль до сих пор очень востребован, особенно в России и Франции. Характерные черты Ампир узнаваем по преобладанию римских архитектурных форм – колонн, пилястр, украшенных резьбой карнизов и консолей. Мебель часто украшается резными фигурами животных. Ножки диванов, массивных кресел и столов выполняются в виде львиных лап или лап грифонов, сфинксов или мифических животных, дополняются завитками и позолотой. Именно в эпоху Наполеона I в моду входит красное дерево. Из него вырезали тумбы, столы, комоды, стулья, кресла и другую домашнюю мебель а также ларцы, шкатулки, рамы для зеркал и картин. Сложный красивый рисунок красного дерева часто подчеркивали медные и позолоченные окантовки, а также дорогая шелковая ткань, вытканная золотом. Пол в помещении традиционно выкладывали разноцветными породами дерева, потолок красили в белый цвет, что расширяло пространство и делало его более светлым, и повсеместно использовали зеркала. Они были в нишах стен, над диванами и кроватями, на дверцах шкафчиков и даже между ножек мягкой мебели. Литера N отчетливо читалась в украшении интерьера, также как и щиты, знаки легионеров, копья и стрелы. Дань периоду правления Наполеона I – раздвижная мебель, которую можно было использовать в военных походах.

Ампир как декоративно-прикладное искусство Увлечение неоклассицизмом возникло в Европе в конце 18 века. Раскопки городов Геркуланум и Помпеи, влияние идей Руссо и Дидро – повлекло за собой моду на античность, на все греческое и римское. А в те далекие времена одним из самых популярных ювелирных изделий была камея. Её вырезали из различных полудрагоценных камней, чаще, из оникса или из агата, которые имеют различные слои контрастных цветов. Мода на резные камеи усугубилась после итальянской кампании Наполеона в 1796 году. При Наполеоне имперский псевдо — римский стиль особенно хорошо прижился, поскольку помогал Бонапарту подчеркнуть размах своих амбиций. Корона императора при коронации была украшена старинными камеями.

Поздние портреты живописца были исполнены Давидом в изгнании, в Брюсселе. Там поселяется стареющий художник после разгрома наполеоновских армий и реставрации Бурбонов, которые не могли простить ему преданности Наполеону и особенно того, что во времена революции якобинец Давид был другом Робеспьера и голосовал за казнь Людовика XVI. Жан-Луи Давид. Зинаида и Шарлотта Бонапарт. 1821. Музей Гетти, Лос Анджелес.

Наполеон и Лувр Французского императора Наполеона I всегда озаряли лучи военной славы. Современникам и потомкам он запомнился в первую очередь как один из величайших полководцев в мировой истории, а его эпоха с тех пор стала называться «эпохой наполеоновских войн». Старейший музей Франции, знаменитый Лувр, бережно хранит память о вкладе Наполеона Бонапарта не только в военное искусство, но и в культурное наследие человечества. В империи, созданной Наполеоном за очень короткий срок, искусству отводилась особая роль. Оно должно было не только прославлять французское оружие и служить упрочению власти нового императора, но и способствовать развитию «наполеоновской легенды», создателем и творцом которой во многом был сам Наполеон. Музей Лувр был создан после Великой французской революции на основе бывших королевских художественных коллекций и вскоре получил название «музей Наполеона». Энергия, ум и административный талант французского императора смогли привлечь к формированию нового музея лучших архитекторов, скульпторов и художников. Именно в Лувре была собрана самая блестящая коллекция культурных сокровищ мира. При этом были использованы новаторские принципы построения экспозиции. Музей, поражавший своим великолепием и оригинальностью, вскоре приобрел общеевропейскую известность и оказал огромное влияние на дальнейшее развитие музейного дела. Тот факт, что в эпоху наполеоновских войн Россия сыграла главную и решающую роль в противостоянии с французской империей, а российский император Александр I во главе общеевропейской коалиции вошел в 1814 г. в Париж, хорошо известен. Не менее известно и многовековое взаимовлияние французской и русской культур. Впервые в России в стенах Государственного исторического музея открывается выставка шедевров Лувра, Музея замка Фонтенбло, Национального музея замков Мальмезон и Буа-Прео, Музея декоративных искусств в Париже, Национального фонда мебели и мануфактур Гобеленов, Бове и Савонри в Париже, Музея Карнавале в Париже, Музея Армии в Париже, Национального музея керамики в Севре, Музея национального достояния в Версале и других французских музеев. В то время творили В. Динон, Ш. Персье, П. Фонтен, Ж. Л. Давид, А. Ж. Гро, Ф. Жерар, Ж. О. Д. Энгр, Т. Жерико, Ж. Ф. Свебах, Г. Верне, А. Д. Шоде, А. Канова, Ф. Н. Делестр, Н. Н. Буте, М. Г. Бьенне, Ж. Б. К. Одьо, П. Ф. Томир и др. Их работы, а также произведения мастеров Версальской оружейной, Севрской и Лионских мануфактур, мануфактуры Гобеленов и Савонри экспонируются на выставке. Значительное место занимают личные вещи самого Наполеона и членов его семьи. Выставка «Наполеон и Лувр» дает возможность по-новому увидеть и оценить роль Наполеона в развитии французской истории и культуры, познакомиться с исключительными образцами европейского искусства и мирового культурного наследия.

Цифрой 1 обозначен Шарль Персье, рядом с ним (цифра 2) — Пьер-Франсуа Фонтей. Обратите внимание, что оба архитектора одеты в синие мундиры членов Французской академии. Цифрой 3 обозначен Император Наполеон I, позади него под цифрой 4 выглядывает улыбающийся Виван Данон, рядом с которым стоит начальник наполеоновского штаба маршал Бертье (5). Около лесницы справа в тюрбане — личный телохранитель Наполеона, мамелюк Рустам (6), привезенный им из Египетского похода, на лестнице стоит седовласый Камбасер с (7), архиканцлер империи и ее президент Сената, создавший знаменитый Кодекс Наполеона.